柯懿芳的古典吉他部落格

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一對一課程

藉由長期規律上課，以最直接的授課方式，確保學生能有穩固的演奏技巧並能理解樂曲風格與內容，進而完成個人獨一無二的音樂詮釋。慢慢來，比較快。

上課時間：每堂課 50 分鐘，至少每兩週上課一次。

建議程度：不拘。

至今已經出版第三張專輯了，第一張是呂昭炫老師的：「三個女孩的探戈」，與邱昱蓉、柯懿芹共同錄製，它記錄著學生時期的熱情與青澀，與對呂老師音樂的尊敬。

第二張專輯是「the Moment」，它就是記錄著我這個人，清清楚楚地。

第三張專輯是「With the Style」，那是對古樂的致敬，與國內輕男高音施宣煌合作，沒有過去，哪來的現在與未來？

那...第四張、第五張？

會有的，我知道。

視譜是學習音樂中很關鍵的一項能力，它最明顯的好處就是增加練琴的效率，加速對音樂的了解。

關於初階視譜
對於剛踏入視譜的學習者而言，持續練習的必要性無需贅述，但在五線四間的黑白世界裡，如何養成正確的練習方式才是成功的關鍵。以台灣目前的學習者而言，常常犯了「試譜」這個毛病。五線譜傳達的訊息有很多，除了音高，還有節奏以及音樂內容，許多學生往往就是試著彈奏一下，想說反正多練幾次就會彈對了，這是很可惜的學習方式。

克萊楊斯是當代法國吉他作曲家，寫給吉他的曲子已經超過四百多首。我跟妹妹也曾經演出他的二重奏曲子，旋律優美，耐人尋味。

這首曲子也是這樣的風格，略帶憂傷的小品曲。彈奏上第一要務就是保持旋律的歌唱性，當然，旋律要能歌唱，就是要氣足，吉他上的氣要足，就是音儘量不要斷。音要不斷，有連結線的部分務必要確實做到，手指該留就留，該走就走，揮一揮衣袖，不帶走一片雲彩。

一般而言，這首曲子的旋律是在上聲部，也就是符尾朝上的音符，99% 都沒有疑問。當然，人生就是有那1%，幸好作曲家也有提示。第 5 與 7 小節中，譜面上有標記重音記號，對我而言，那個重音記號並不是要真的要明顯的突強效果，而是要提示這是主旋律開始之處，因此第 7 小節的 C 音，我會將之視為伴奏音來彈奏。

作曲家有提示那其實好辦，要是譜面上不是很好判斷呢？在第 23 小節，第二大拍的A音，我個人認為這並非旋律音，因為這首曲子大部分第二大拍的正拍都是掛留音，又或者是伴奏音，總之通常並非樂句的起始之處。為符合一致性，我將之視為伴奏音，讓高音旋律由三連音的 C 音接到 D 音，這樣比較合乎我用吉他在唱歌的原則。

其實人生也可以不用這麼糾結，若將之視為旋律音也並無不可，有些事情還是可以處在灰色地帶，人生不是非黑即白。音樂詮釋，常常因為看的角度不同而有不同答案，有時候並無所謂正確解答，我只是選擇了一個比較能說服我自己的方式在彈奏。

有標題的曲子總是比較容易讓人在演奏時上有所依據，音樂上若能達到類似「詩中有畫，畫中有詩」的境界，那就是藝術的體現。船歌，第一聯想的畫面通常是威尼斯的貢多拉船夫，划著划著，一下再一下，不疾不徐，悠閒愜意。在音樂上，通常會是6/8拍，中等速度。

說是6/8拍，當然是通常，因為科斯特就是用3/8拍完成此曲。然而，在音樂上，我還是強烈地感受到6/8拍的韻律。因為，船歌，自然是有水的意向，無論是餘波蕩漾、陣陣漣漪或是一陣浪起，都是有高有低、有起有伏的。若以兩小節為單位來分析本曲，旋律的走向非常符合上述特色，再加上些許的漸強與漸弱，恰恰好，就是標準6/8的船歌風味。另外，譜面上雖然幾乎每兩小節就標記著休止符，我並不會很死板地消音，而是在下一樂句開始之前才稍微消音，營造出水波漸緩，但划槳又下的畫面。

接著我想要講一下有關於吉他音樂史的一個重要概念。我們說，貝多芬（1770-1827）是帶領西洋音樂從古典到浪漫的的重要橋樑，但是，吉他音樂的浪漫時期代表音樂家，我們都是以塔雷嘉（1852-1909）為首。是的，吉他音樂的發展晚了將近五十年，其中的原因有很多，最主要的是浪漫時期是鋼琴、交響曲的天下，簡而言之就是偏好大聲且富有表現力與戲劇張力的器樂。況且，現在吉他的雛形，是在1850年由Torres所製造，當時的吉他音量勢必更有限。所以，吉他不會是那個時期的人所偏好的樂器，當時作曲家不會特別為古典吉他作曲，音樂發展自然無法跟上浪漫的風潮。說了這麼多，只是想要強調，科斯特（1805-1883）所的年代，雖然大氛圍下已經是浪漫樂派時期，但就吉他音樂本身，我們還是認為科斯特是古典時期樂派的作曲家。

因此，浪漫樂派音樂所常用到的吉他技法，像是抖音、滑音、彈性速度、明顯的琶音，強烈的情緒對比等等，不宜在本曲出現太多。我個人只有在要反覆前四小節多做了一點個人詮釋，畢竟這裡的音樂語法稍微脫離了一點標準船歌的模樣，我用了一點琶音來象徵較大的水波，那划槳，彷彿不小心失了準，把水打到了一片較大的石塊或是牆壁，然後，水花就這樣音階似地流淌了下來，再回歸平靜。

音樂，絕對不是稍微來點自由拍子就自以為很有感情，抱歉我這話說的重了些，但我還真的很討厭把節奏不穩認為是個人情感的展現，哈哈！

古巴作曲家布勞威爾對於二十世紀的吉他曲目貢獻良多，從練習曲、小品曲到演奏級樂曲，均有重要代表作，本曲也是我教學上用來切入近代音樂詮釋的首選。

一般而言，近代音樂似乎不像古典時期音樂結構工整，旋律清楚，也不像浪漫時期音樂極具有音樂情感上的渲染力。那，這樣的音樂，美在哪裡？

其實，旋律一樣清楚，只是沒有用傳統和聲支撐；情緒張力依舊存在，只是不一定是個人情感的主觀表達；樂曲中「重複」與「對話」的作曲手法仍被使用，只是不容易立刻被發現。透過以下解說，應該會更清楚些：

近代作曲家對於樂曲想表達的樂思通常都有清楚的指示，像是本曲第一行，就有清楚的大小聲記號，音樂對比明顯；下方聲部的主旋律也用強音記號標誌。所以，這樣的樂曲，一樣有主要旋律與伴奏的層次差別，一樣有戲劇張力，它只是在節奏上不對稱，切分節奏不容易掌握，但務必精準彈奏。

樂曲中聲部是會彼此呼應的，會「對話」。在樂曲中的第三行，伴奏聲部呼應了低音旋律，讓我們想像今天有兩個人並不是字正腔圓地在交談，而是用一種外星語言在溝通，逼逼逼逼，嗶嗶嗶嗶，只是用的語言不一樣，但「對話」這樣的概念，依舊存在。

泰雷嘉有現代吉他之父之美譽，舉凡持琴姿勢與彈奏方式，都是由他所提出並演變至今，身兼作曲家與教育家，其膾炙人口的經典樂曲與循序漸進的吉他練習曲，均是吉他愛樂者不可錯過的重要曲目。

這首總長僅有十六小節的練習曲，之所以會被排到四級程度，自然有其原因。此曲的風格與運指，會讓人聯想到西班牙民謠「愛的羅曼史」。這首曲子，絕非初學者所能駕駛，如同此首樂曲，看似簡單，其中細節不可小覷。

先說技巧難：難在換把位時要動作迅速，減少雜音，很多人會彈錯最後一個三連音而不自知，是因為左手已經先離弦，最後一音不是時值不夠就是變成錯音，不可不慎。

續說按壓難：第 12 小節中，譜面上的指法是前兩拍使用第三把位封閉彈奏，最後一拍才改為空絃音彈 B 與 G兩音。這樣的指法自然是顧及到了第三拍是擴張指型，不易按壓所致。每個人對於音樂想要的不一樣，沒有對錯，在這裡我選擇的是空絃指法，只因為我想要音色的統一，剛好我的左手技巧也足以負荷這樣手指移動。因此，你依舊可以照譜彈，擴張夠好的人也可以通通使用第三把位封閉指法。只要選擇一個適合自己的指法，音樂效果是你想要的，就夠了。

再說選擇難，但也可以不難：很多人會拘泥於究竟主旋律音右手 a 指要不要使用壓絃彈奏？我也曾經困惑過，但其實只要知道，無論何種彈法，只要能將主旋律音清楚彈出，讓聽者聽得出旋律與伴奏的主從關係，那無論是要用壓絃或是鈎絃，那又有什麼關係呢？只要選擇一個適合自己用的，音樂效果好的，就夠了。

淺談和聲外音與音樂詮釋

從事吉他教學多年，很希望愛樂者除了知道如何彈吉他這項樂器，也願意涉獵些許吉他歷史及音樂理論，原因無他，自然是對音樂美感的堅持。但茫茫樂海中，要如何踏出那第一步，還真是萬事起頭難。在台灣吉他學會的邀稿下，決定先從理論系統中的和聲外音開始著手，以輕鬆的方式切入熟悉的吉他樂曲，希望不會因此澆熄了讀者喜歡彈吉他的那顆心。我始終相信，在個人情感詮釋中，若能有音樂理論做基礎，是對作曲家最誠摯的感謝，也讓音樂美得更有深度。

和聲外音，顧名思義就是和聲之外的音。音樂需要重點，旋律需要亮點，至於亮點，發生在和聲的衝突點。和聲衝突點是美感發生的條件之一，這句話乍看之下之下充滿疑惑，因為另一個條件是這個衝突必須被解決。當音樂上的衝突被解決（Resolution），會產生一些美好的感覺，像是放鬆、解脫、舒緩。這並非天外飛來一筆的謬論，請看以下引用：

我通常管這首叫做貪心的練習曲，因為朱利亞尼在一首小品曲中要的似乎太多了？不過，換個角度來說，對音樂不貪心，那似乎也就失去了某種熱情。

這首練習曲包含了聲部的歌唱性、聲部音量的平衡、八度音階、快速琶音技巧，以及朱利亞尼最愛的澎湃式結尾。

所謂聲部的歌唱性，這裡指的並不是浪漫風格那種慢板的歌唱性抒情旋律，而是一種古典樂派典型的嘉雅風格(Galant Style)，主題清楚，音樂清新，再配上典型分解和絃伴奏，耐聽悅耳。

這樣的譜面總共有幾個聲部？這是我會問學生第一個問題。

答案是三個，也就是，若要把這首曲子用三個人聲或樂器來唱和，需要三個人。第一部是吉他最擅長的隱藏旋律，譜上雖然都是用十六分音符來記譜，但旋律當然不是這樣在唱歌，它應該是這樣唱的：

紋鳴號 2015 下半年特別企劃

柯懿芳博士與音樂、攝影及蘭嶼雜誌主編的精采對話

► 購票 (座位有限)

單場 250元，全系列套票 400元 (紀念票卡）

請電紋鳴號 2239-0570 （週三至週日）

Joe Hisaishi: "The Wind Rises" Suite No.2 for Balalaika, Bayan, Guitar and Small Orchestra World Premier

只是多了份運氣，讓我有機會能跟日本配樂大師久石讓（Joe Hisaishi）老師合作，世界首演『風起組曲第二號』。現在離演出時間已經有點久遠，但還是趁暑假較空閒時趕緊補上些心得，讓日後還有些東西可以回憶，然後，感動。

日本人就是守時，照著行程走。在譜還沒拿到之前，先拿到的就是排練時間表，時間、地點以及預定曲目，清清楚楚白紙黑字。雖然在第一天彩排時剛好碰到百年難得一見的癱瘓台北車站事件，我把車臨停在收費停車場，背著吉他遠離忠孝東路，離開車陣後再改搭小黃，幸好還是趕上了，五分鐘後，第一次彩排。第一次合奏自然是戰戰兢兢，但對於久石讓老師能夠精準且快速地發現演奏上的錯誤印象頗深。一小時後彩排結束，不拖延，捨不走的倒是我了，神隱少女的的第一個M7sus2總是一下就揪住我。

第二點是英文很重要，這是寫給不喜歡唸書只想成天拉琴的孩子們看的。儘管久石讓老師在與樂手溝通的過程中不需要用到什麼艱澀的英文詞彙，但要是有機會可以與國外大師近距離接觸時，你卻因為語言無法多做深入的溝通探討，有些機會是一輩子只有一次，錯過就不再。

因為這次的表演，我看了『感動，如此創造』這本久爺（經紀公司私下都這麼稱呼，笑）的書，其中有個片段倒是還在回味著：其實他以前很喜歡創作現代音樂，像是極微主義（minimalism）之類的風格，但後來有機會從事電影配樂，他覺得樂曲還是要有好聽的這部分，要是能把所謂卡通歌寫到恰如其分，就推廣音樂的角度而言，作曲者與聽眾都是贏家了。一直都知道，要在曲高和寡與堅持中取得一個平衡點，這點，我至今都還在學。

柯懿芳個第一張個人古典吉他專輯

~The Moment~

那些文字與言語無法說明白的，我都用音樂來表達；那些不奢求別人懂的，我也用音樂寄託。
在一張富有歷史傳承意義跟另一張富有教育意義的專輯中，我一如往常地，任性選擇了第三條路：The Moment。
學生某天問我：「老師，妳的志向是什麼？」我頓了一下，想著這個從國小就開始寫的作文題目，於是我答：「讓更多人認識古典吉他。」